Mese: Agosto 2022

Articolo a cura di Dani Ironfist

BROOD – LA COVATA MALEFICA

Il 1979 è un anno di grandi impegni per il nostro David Cronenberg, a distanza di un paio di anni da “Rabid – Sete di sangue” e dopo la parentesi automobilistica di “Veloci del mestiere” (1979), Cronenberg torna all’horror con un film decisamente più vicino ai suoi canoni.

Sono pochi i registi che nel corso della loro carriera sono riusciti a rivoluzionare il loro modo di concepire la settima arte, David Cronenberg è uno di questi e con “Brood” siamo di fronte a un film che segnerà per certi versi tutta la sua carriera a venire coniando per la prima volta il termine “body horror”.

Nel periodo pre-produzione il nostro amato regista canadese era in conflitto con la sua ex moglie per la custodia della figlia, questo travaglio ha influenzato molto sulla stesura della sceneggiatura del film tant’è che Cronenberg ha sempre dichiarato che “Brood” è per certi versi un film autobiografico.

Per “Brood” finalmente David Cronenberg può contare su un budget più corposo rispetto ai precedenti film e questo gli consentirà di assoldare per il film due attori di rilievo, Oliver Reed e Samantha Eggar, quest’ultima ha definito questa sua esperienza come la più strana della sua carriera.

Per rendere i dialoghi più realistici Cronenberg ha inserito alcune battute estratte dai molti colloqui/scontri avuti con la ex-moglie. In “Brood” viene raccontato un conflitto famigliare con un utilizzo di immagini cruente unico per il periodo in cui il film è uscito. A dire il vero nella parte iniziale del film si vedranno solo piccole ferite, bambini mutati e un tumore linfatico ma si raggiungerà l’apice nel climax finale, quando Frank affronterà Nola.

La vena creativa e sanguinolenta avrà, quindi, in “Brood” il suo apice in un finale devastante per la sua crudezza e per il ribrezzo che provoca nello spettatore, un colpo di scena difficile da dimenticare per come il nostro mette il tutto in scena. Questo exploit finale sarà ripreso in parte da due grandi autori fin troppo sottovalutati: la mitica coppia Stuart Gordon/Brian Yuzna.

Nonostante il film risulti cruento e avvincente si colloca in una posizione transitoria nella carriera di David Cronenberg che avrà il suo apice visionario pochi anni dopo con il suo capolavoro indiscusso “Videodrome”.

“Brood” è una storia posta su più livelli, basata sul Somafree Institute of Psychoplasmics , in cui ai pazienti viene insegnato a esternare i traumi emotivi, ciò che lo scienziato Dr Raglan (interpretato da Oliver Reed) definisce “la forma della rabbia”. Nel bel mezzo di questo, un padre combatte per salvare sua figlia dalla moglie separata.

Nella vita reale, come avevo scritto in precedenza Cronenberg era stato costretto a “rapire” sua figlia quando sua moglie aveva annunciato che avrebbe portato la figlia a vivere in una comunità religiosa californiana.

Come Cronenberg nella vita reale anche Art Hindle si sforza di salvare sua figlia da Samantha Eggar, che ha esternato la sua rabbia creando “bambini mutati della covata” psicopatici. David Cronenberg, in seguito avrebbe affermato che “Brood” non è altro che la sua versione di “Kramer vs. Kramer”, il dramma sul divorzio vincitore di Oscar uscito lo stesso anno.

“Brood” non fu accolto molto bene da critica e pubblico ai tempi della sua uscita ma penso che sia giusto fare un piccolo appunto. Anche se preso come un film a sé stesso “Brood” è un horror efficace, inquietante e agghiacciante con un climax finale tra i più memorabili della storia di questo genere, se David Cronenberg non fosse andato avanti da allora con con questa sua incredibile capacità creativa probabilmente oggi questo sarebbe un film dimenticato.

Con “Brood” David Cronenberg inizia infatti a sperimentare quello che diventerà il suo tema più ricorrente, la carne con le sue mutazioni che in questo film già inizia a prendere forme adulte, raggiungendo la sua massima espressione nei successivi film. Un’ottima sceneggiatura, scritta a piene mani da David Cronenberg, descrive in pieno tutto il disagio e l’inquietudine di vivere dei protagonisti che innescano una rabbia repressa che porta alla violenza verso sé stessi e gli altri. Come anche nei precedenti film, fotografia e scenari invernali contribuiscono a creare quell’atmosfera gelida come l’animo dei personaggi, atmosfera che poi ritroveremo anche in “Crash”.

Con questo film nascerà anche la collaborazione con Howard Shore, autore della colonna sonora che, ad eccezione del film “La zona morta”, sarà presente con la sua musica in tutti i film a venire del maestro canadese.

In conclusione, nonostante qualche difetto “Brood” è un film da vedere e rivedere per capire quanto David Cronenberg fosse già un passo avanti rispetto a molti suoi colleghi del periodo.

Curiosità: Durante le riprese l’attore Oliver Reed fu arrestato a causa di una scommessa che obbligava a camminare da un bar all’altro completamente nudo atto a sfidare il freddo pungente.

Il trailer americano del film fu realizzato da Joe Dante.

Il film in Italia è stato distribuito nelle sale il 4 giugno 1980 ma la prima proiezione avvenne in anteprima a Pesaro nel mese di marzo.

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Articolo a cura di Dani Ironfist

CRASH (1996)

Quando si parla di David Cronenberg per me è sempre una goduria immensa, immaginate poi dopo aver rivisto questo capolavoro in sala, questa volta con un valore aggiunto, ovvero, in lingua originale.

Dopo il drammatico “M. Butterfly” del 1993, passano sei anni e David Cronenberg torna alla regia con uno dei suoi film più controversi e ispirato al romanzo omonimo del 1973 di James Graham Ballard.

Tutti i film del maestro canadese hanno una sola cosa in comune, quella di essere unici ma di certo questa non è l’unica dote che Cronenberg ha conservato per tutta la sua carriera. Ogni suo film riesce sempre a devastarmi al mio interno come un martello pneumatico e questo succede ad ogni dannata visione di un suo lungometraggio, figuriamoci poi con un film come “Crash” dove morte e sesso si fondono in un connubio devastante.

Il fatto di essere unico nel suo modo di concepire l’arte cinematografica non poteva che portarlo in trionfo al festival di Cannes nel 1996, dove “Crash” fu presentato in concorso e premiato con il premio della giuria mettendo a disagio la platea durante la proiezione.

Un’atmosfera fredda fa da cornice alle vicissitudini dei coniughi Ballard, interpretati da James Spader e Deborah Unger, che vivono in periferia di una moderna metropoli, entrambi hanno esperienze extraconiugali che si raccontano l’un l’altra senza nessun tipo di remora. James, a causa di una distrazione, rimane coinvolto in un terribile frontale che provocherà la morte del guidatore dell’auto proveniente dalla parte opposta. Negli attimi successivi, mentre sono entrambi incastrati e sotto shock negli abitacoli delle rispettive auto distrutte, James incrocia lo sguardo di Helen, moglie della vittima. Questo è solo l’inizio di un’odissea che vedrà coinvolti i due coniugi in un giro di sesso, depravazione e incidenti stradali.

Si possono trovare in “Crash” molti punti in comune con un altro capolavoro del maestro canadese, quel “Videodrome” dove il protagonista Max Renn (interpretato da James Woods) è costantemente alla ricerca di nuovi stimoli sessuali devoti alla nuova carne, stimoli che in “Crash” sono rappresentati dall’attrazione che i nostri protagonisti provano verso le cicatrici provocate dagli incidenti stradali. La differenza, che contraddistingue i personaggi di “Crash” da Max Renn, sta nel fatto che in questo film i nostri sono depressi, annoiati e sempre alla ricerca di stimoli ed esperienze sempre più intense tra orgasmi e schianti con le loro automobili.

Emblematica è la scena iniziale dove vediamo Catherine Ballard piegata su un aereo intenta ad accarezzarne la superfice metallica fino a quando un uomo l’afferra da dietro ed iniziano un amplesso, tutta via la telecamera non si sposta mai verso l’uomo ma rimane su Catherine e l’aereo preparandoci a ciò che avverrà dopo.

Nonostante non sia molto diverso da altri film dove i protagonisti trovano eccitazione nella loro autodistruzione, in “Crash” c’è anche un significato profondo. David Cronenberg mette in scena un’allegoria sul mondo delle auto, che in origine nel romanzo di J.G. Ballard simboleggiavano la modernità degli anni 70, mentre in “Crash” le persone abbracciano la tecnologia al tal punto di mescolarsi l’una con l’altra. In parole povere, gli uomini diventano macchine e le macchine si sessualizzano diventando portatori di erotismo.

Eccezionali, inoltre, il personaggio interpretato da Rosanna Arquette (Gabrielle), una ragazza vittima di un incidente stradale che l’ha costretta a convivere con due protesi d’acciaio esterne. Con la sua sensualità farà girare la testa a tutti (spettatore compreso), altra scena indimenticabile è quella che vede protagonista Gabrielle in un salone di vendita automobili con James attratto dalle ferite sulle gambe di Gabrielle e il venditore in evidente affanno.

Prima di Gabrielle però faremo la conoscenza di Vaughan (interpretato da Elias Koteas) e la sua malsana idea di ricostruire gli incidenti mortali che hanno visto coinvolti attori e personaggi famosi di Hollywood, ad esempio vedremo la ricostruzione dell’incidente stradale dove perse la vita James Dean.

Vaughan è un personaggio inquietante che trova una morbosa attrazione nel fotografare gli incidenti stradali e i corpi mutilati e devastati delle vittime, un personaggio che a causa della sua parafilia nei confronti degli incidenti stradali vive la sua vita ai confini della legalità.

La parafilia, in particolare la sinforofilia, accumuna un po’ tutti i personaggi del film, esattamente come li descriveva J.G Ballard nel suo omonimo romanzo, con la regia di David Cronenberg che mette in risalto questa deviazione malata dei personaggi al tal punto di scuotere lo spettatore e metterlo in difficoltà se la visione del film avviene in pubblico.

“Crash” suscitò molto scalpore alla sua uscita tant’è che fu bandito nel regno unito e trasmesso poi qualche anno dopo dalla BBC con il ranking +18.

David Cronenberg non si limita a tutto questo, le scene degli incidenti stradali non sono girate con la tecnica del rallentatore ma sono rapide e brutali al tal punto che agli occhi dello spettatore risultano quasi reali dando la sensazione di trovarsi sul posto. E qui sta la grandezza di David Cronenberg, riesce a devastarti all’interno come pochi.

Un film incredibile che non porta i segni nel tempo grazie alla sua atmosfera fredda e alla fotografia cupa come le terre del Canada dove il film è stato girato, con tutti gli attori in parte. Uno dei pochi film dove tutti gli attori sono calati perfettamente nelle loro parti.

“Crash” vanta anche una meravigliosa colonna sonora composta Howard Shore che crea le giuste atmosfere durante tutto il film.

L’unica cosa che forse si potrebbe criticare a questo film è l’eccessiva lunghezza delle scene di sesso ma questo è un fattore opinabile che va in base alla soggettività dello spettatore.

Quando vidi per la prima volta “Crash” al cinema mi gelò il sangue con la sala piena che a fine film sussurrava qualche “buu”, qui probabilmente entrano in ballo gli spettatori occasionali che molto probabilmente non conoscevano per niente il cinema di David Cronenberg (o al massimo “La mosca”, forse il film il più commerciale di David Cronenberg) e si son trovati davanti a un film glaciale, morboso e inquietante che, più che allo stomaco, colpisce alla testa dello spettatore con il resto della sala (compreso il sottoscritto) immobile e incredulo fino alla fine dei titoli di coda.

Chiudiamo la prima puntata di #tantavogliadicronenberg con una dichiarazione di J.G. Ballards a Cannes durante la presentazione di “Crash”:

«Ho dichiarato che il film di Cronenberg cominciava là dove il mio romanzo finisce, dal momento che nel mio libro io tento di alleviare il lettore dell’apparente logica da incubo che sostiene Crash. Tento di persuaderlo che il personaggio del narratore, che porta il mio nome, è attirato malgrado lui nel mondo di Vaughan, questo scienziato teppista. Nel film di Cronenberg, al contrario, i personaggi accettano questo universo dall’inizio. Ciò che rimane latente nel romanzo diventa manifesto nel film.»

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